¿Qué es “selfie”? Se le denomina a la autofoto, a un
autorretrato realizado con una cámara fotográfica o más comúnmente con un
móvil. Hoy en día es el fenómeno de moda, donde las redes sociales son sus
principales plataformas para subir este tipo de fotos.
Pero el “selfie” no es un invento de hoy en día, se remonta
al año 1839. Fue Robert Cornelius quien se hizo la primera autofoto, ya que el
tiempo exposición de esas cámaras era muy grande y le dio tiempo a dejar la
cámara en una silla y ponerse en el lugar adecuado.
Más adelante se dijo que esas fotos, la de Cornelius u otras
realizadas más adelante posicionando las cámaras en objetos, no eran “selfies”.
Estas fotografías se acercaban más al termino de autorretrato, ya que en estas
dejaban la cámara en algún sitio en vez de como se hace en las “selfies”
agarrar la cámara con la mano a la vez que se saca la foto. Es por esto, que la
primera autofoto se remonta al año 1920, cuando Joseph Byron, Ben Falk, Pirie
MacDonald, Pop Core y Marceu dejaron su sello en diciembre de ese año con una
fotografía que hicieron con la cámara de su negocio.
Aunque el uso del "selfie" no es reciente, el término como
tal no se popularizó hasta los primeros años del siglo XXI. Principalmente comenzó
en la red social MySpace, y luego se extendió quedando como principales
plataformas Facebook e Instagram. Las "selfies" se hicieron populares en 2013 y
en 2014, alcanzan hitos como la autofoto de Ellen Degeneres durante la
celebración de la gala de entrega de premios Oscar.
Hay gente que critica los “selfies” como fotografías egocéntricas
y narcisistas, pero en general la fiebre del “selfie” está muy extendida. Es
tal el éxito de este fenómeno que empieza a ser un peligro mortal.
El joven fotógrafo ruso Kirill Oreshkin llevó los "selifes" a otro nivel. Desde lo alto de los edificios y agarrado de una sola mano, se saca autofotos subido a puentes o rascacielos fotografiando la ciudad de Moscú.
Pero aún hay más, la fiebre del "selfie" llega a la música donde dos djs "The Chainsmokers" hacen una canción sobre este fenómeno.
También ha llegado al diseño, siendo hoy en día uno de los inventos más vendidos el palo del "selfie" (selfie stick) de la mano de Nordstrom Inc.
Aunque ahora el "selfie" sea el fenómeno con más éxito, este verano otros muchos le acompañan y se van innovando día a día, por ejemplo, el reto del cubo de agua. Este fenómeno estuvo en auge en el verano del 2014 donde la prueba era retar a tres personas a echarse un cubo de agua encima y grabarse un vídeo cumpliendo el reto. Aunque tuvo mucha acogida, también fue severamente criticado.
“Detesto mi pasado y el de otros. Detesto la resignación, la
paciencia, el heroísmo profesional y los
sentimientos obligatoriamente bonitos“
René Magritte (1898, Bélgica- 1967, Bruselas) fue un pintor
surrealista belga. Fue conocido por sus pinturas provocativas e ingeniosas, las
cuales jugaba con la contradicción con el fin de cambiar la percepción precondicionada
de la realidad y forzar al observador a percibir su entorno de una manera
diferente.
Hay que decir que a René no le gustaba hablar sobre sus obras,
cuando se veía forzado a hablar de su arte mostraba disgusto, aburrimiento y
cansancio. Evitaba que lo llamaran artista y se describía como un hombre que
piensa y que comunica sus pensamientos ilustrándolos. Su idea del éxito era que
los cuadros carecieran de cualquier explicación que valiera para satisfacer la
curiosidad del espectador. Es por esto, que en vez de explicar las obras de
René según mí parecer, explicare lo que el propio autor dijo sobre ellas.
(La traición de las imágenes 1929)
El cuadro describe una pipa. Magritte pintó bajo la pipa:
«Ceci n'est pas une pipe» (Esto no es una pipa). El cuadro no es una pipa, sino
una imagen de una pipa. Como Magritte dijo, «La famosa pipa. ¡Cómo la gente me
reprochó por ello! Y sin embargo, ¿se podría rellenar? No, sólo es una
representación, ¿no lo es? ¡Así que si hubiera escrito en el cuadro "Esto
es una pipa", habría estado mintiendo!»
La idea de Magritte era la de provocar una sensación en el
espectador de incredulidad y negación de la imagen. Y lo consigue porque al
tiempo que lo leemos lo negamos, ya que para nosotros es una pipa. Es lo que consigue
con esta leyenda: condicionar la percepción del espectador y así romper con la
tradicional representación de objetos, que como esta pipa, sin la leyenda no
habrían hubieran tenido ningún interés en el espectador.
(La llave de los sueños,1930)
Con este cuadro, René, siguió con la idea de la
contradicción. Pero añadido a este propósito, juega con el reconocimiento, la
sorpresa y la liberación del pensamiento.
La pintura “La llave de los sueños” aparece en forma de
composición estructurada en cuatro partes iguales por un marco de ventana
pintado. En cada uno de los cuartos -éstos producen el efecto de pequeñas
pizarras-, Magritte pintó un objeto realista y con una caligrafía de escolar
escribió bajo el mismo un título que sólo en un caso -«L'éponge» (esponja)-
corresponde al nombre habitual. Los tres objetos restantes se designan con un
nombre falso. A una bolsa se le da el nombre de «Le ciel» (El cielo), bajo una
navaja abierta se escribe «L'oiseau» (El pájaro) y finalmente una hoja se
denomina «La table» (La mesa).
“Una palabra o una imagen pueden ocupar el lugar de un objeto,
remitir a un elemento de la realidad. Esto sucede a través de la evocación
selectiva de una image mentale (imagen mental). No obstante, las palabras y las
imágenes pueden responder sólo de sí mismas y no remitir a nada fuera de ellas.
Su significación dependerá por tanto de su uso y de su combinación.
(El imperio de las luces, 1953)
Este cuadro está pintado al final de su carrera, pertenece a
una serie de cuadros donde todos tienen el mismo motivo. Simplemente cambia el
enfoque, la perspectiva o el ángulo. En algunas de las versiones sitúa la
escena al borde de un lago para jugar con el efecto del reflejo de la luz
eléctrica en el agua. En otros casos introduce elementos vegetales como árboles
para enmascarar parcialmente las fachadas, o vegetación verdosa.
(El imperio de las luces, 1950)
(El imperio de las luces, 1954)
Lo insólito del cuadro es el cielo. Al representar
construcciones iluminadas por luz artificial parece que debería de tratarse de
un paisaje o vista nocturna. Y no es así, ya que se trata de un cielo azul
diurno con las nubes algodonadas típicas de Magritte.
En esta versiónaleja la vista sacrificando los detalles por
un mayor contraste y efectismo entre la luminosidad del cielo y las sombras
nocturnas de la parte inferior, acentuando lo enigmático del conjunto.
Magritte estaba fascinado por la relación de contrarios que
generaban el día y la noche, que le suscitaban e inquietaban de igual manera, y
que supo plasmar perfectamente en estas obras, cuya sensación de quietud y paz,
suscitan precisamente lo contrario en el espectador.
Todas sus obras están expuestas en su museo, que es la casa
en la que vivió René. Esta, tiene una fachada peculiar, haciendo un guiño a esa
contradicción con la que ha jugado a lo largo de su vida en sus cuadros.
Muchos autores escribieron libros sobre ella y sus obras,
sus contradicciones. Pero se dice que el que mejor supo plasmar la idea de
Magritte, sin casi explicación como a él le gustaba, fue en el libro “Understanding
Comics” de Scott McCloud. Principalmente habla sobre el cuadro de la pipa. El
escritor señala que la versión que aparece en su libro no sólo no es una pipa,
sino que son algunas copias impresas del cuadro de una pipa.
Hoy en día, la cantante y actriz estadounidense Miley Cyrus
es un icono pop muy criticado por sus canciones, puestas en escena y
videoclips. Pero antes de nada, es imprescindible contar su evolución en la
música.
Miley Ray Cyrus nació el 23 de noviembre de 1992 en
Tennessee. Alcanzó la fama en el año 2006 por interpretar el papel de Miley
Stewart/Hannah Montana en la exitosa serie de Disney Channel Hannah Montana, en
la cual ella ponía la banda sonora a la serie con sus canciones. Con el éxito
de esta, Miley se consagró como un ídolo adolescente en todo el mundo.
En 2007, firmó con una discográfica para comenzar su carrera
en solitario con el álbum “Meet Miley Cyrus”. Aunque en verdad, este álbum
también incluía la banda sonora de las últimas temporadas de su serie. En 2008,
lanzó su segundo álbum, “Breakout”, el cual se convirtió en un éxito comercial.
Fue en 2009 cuando Miley empezó a cultivar una imagen más
adulta con el EP “The Time of Our Lives”, en el cual presentó un sonido más pop
comercial. En 2010, salió su tercer álbum, “Can´t Be Tamed”, con un estilo
dance pop. Es aquí cuando se empiezan a ver las primeras críticas hacia la
cantante, con su vídeo de la canción “Can´t Be Tamed”. Este vídeo retrata una
imagen más sexual de la artista.
Durante los siguientes años, siguió sacando nuevos álbumes a
la vez que hacía películas. Pero 2013 fue el año de su cambio. Ella misma decía
que quería acabar con esa imagen de niña Disney y crear una imagen más adulta,
una imagen explosiva. Esto se ve claramente en dos canciones que publicó ese
mismo año “We Can´t Stop” y “Wrecking Ball”. En ambos dos aparte de cambiar su
aspecto físico, cambia su estilo musical y su apariencia en escena. Es aquí donde
la artista explota su sexualidad al máximo, llegando a salir completamente
desnuda.
La canción de “Wrecking Ball” tuvo muchísimas críticas, pero
se hizo un vídeo mundialmente famoso y por ello, personajes famosos del momento
hicieron varias parodias del vídeo.
Hulk Hogan (famoso en lucha libre)
Ron Jeremy (famoso actor porno estadounidense)
Randy Slovacek (bailarín de cabaret de Broadway)
La crítica más invasiva hacia la artista fue por el hecho de
que empezó siendo una niña Disney, y por consiguiente, idolatrada por millones
de niños y ha acabado explotando su sexualidad, convirtiéndose en puro espectáculo
y erotismo. Pero Miley llegó al extremo de no solo dar el espectáculo en sus
videoclips sino montarlo en directo: mediante su vestimenta, fumando marihuana
en un concierto, o bailando twerking (baile realizando mediante movimientos del
trasero) con bailarines con enanismo.
Hay gente que achaca este cambio tan ostentoso de la artista
a su representante, Larry Rudolf. Este, ya había conseguido cambiar la imagen
de otra artista como es Britney Spears, la cual según Miley Cyrus fue su influencia
principal.
Hoy en día cada día son más frecuentes las tribus urbanas,
cada vez aparecen más grupos y más numerosos. De entre todas las tribus que conforman la
sociedad actual, está la llamada tribu poligonera, compuesta por los canis
(término masculino) y las chonis (termino femenino). Son una tribu urbana
surgida en las zonas de extrarradio, relativamente nueva y que no sólo marca un
estilo de moda sino un modelo de vida.
Los chonis y las canis surgieron en España a finales de los
90 del siglo XX sobre todo en Andalucía y en Madrid, poco a poco expandiendo su
estética y cultura por todo el país en muy poco tiempo.
El nombre de su tribu (poligoneros) ya nos da una pista de qué
son. Se podría decir que su principal afición es hacer botellón en los polígonos
con coches tuneados y unos altavoces más grandes que el maletero, mientras el
alcohol y las drogas son los principales invitados.
Pero no solo es eso ser cani o choni, conlleva todo un
entramado cultural, musical y hasta social. Lo más marcado es su estética,
donde se diferencian así:
Ellos suelen ir ataviados con abalorios dorados, cadenas de
oro, grandes anillos, zapatillas deportivas de marca y chándals, camisetas (a poder ser sin mangas) y todo muy, muy llamativo. Igual con sus
peinados: o rapados, o rapados pero con cresta, o sin cresta pero rapados por
los lados.
Ellas son incluso más llamativas: grandes pendientes (si son de aro mejor que mejor), pequeños
'shorts', pantalones muy cortos, minifaldas, escotes, 'tops' minúsculos... Sus
peinados, preferiblemente con larga melena. Su maquillaje dista mucho de la
sencillez y suelen cargarse mucho de llamativos colores en los ojos.
Una de las
aficiones que tienen tanto unos como otros es la de agujerearse el cuerpo,
aunque sobre todo la cara, y tatuarse cosas como seres mitológicos, tribales
por todo el cuerpo, los nombres de sus novias o sus madres en el caso de los
canis y en el de las chonis, tribales en la parte inferior de la espalda.
Apartado de
su apariencia física está su gusto por la música electrónica, el reggaeton y el flamenco. Acompañando a esto, sus bailes
como “JumpStyle” o el “hardcore” basados en saltos y movimientos de piernas y
brazos muy rápidos al ritmo de una música acelerada.
Esta tribu, tanto de género masculino como femenino,
acostumbran a ser los denominados ‘nini’, ni estudian ni trabajan. Es por esto
su incultura y su lenguaje. Utilizan palabras como “nano, pelele, surmano…” y
para llamarse entre ellos utilizan antes de sus nombres, acortándolos, “la”
o “le” (la Jenny, el Jaco). En su expresión escrita se distinguen por el uso
excesivo de haches intercaladas y por la repetición constante de mayúsculas y
minúsculas sin sentido alguno.
Ligado a esta estética está el programa de Telecinco llamado
Mujeres Hombres y Viceversa. Este programa consiste en que varias personas van
a conquistar a dos que están en el trono los cuales se pasan allí con la excusa
de “ir buscando el amor”. La mayoría de ellos son canis y chonis, y este
programa es el reflejo de su incultura. El icono más importante de este
programa es Rafa Mora, el primer tronista. Hoy en día, es el icono y héroe de
muchísimos jóvenes españoles. Son pocos los que se han atrevido a hacer una
crítica sobre él y sobre el programa. Este es el caso del rapero Subze.
Pero tristemente, después de haberlo criticado todo, Rafa
Mora y su dinero lo compraron , a él y a su música.
“Si la Real Academia Española tuviera que definir la palabra
'poligonero' los académicos se enzarzarían en un debate sin fin. Posiblemente,
acabarían de fiesta para comprobarlo. Y, seguramente, dentro de algunos años,
esta acepción se incluya en el diccionario por el que nos guiamos los
españoles.”
La gente piensa que el movimiento del graffiti empezó en la
década de los 60 en Estados Unidos de la mano de un neoyorquino “TAKI 183”,
pero no es correcto. El primer graffitero se remonta a la época de la monarquía
en Austria, Josef Keyselak el cual aceptó la apuesta de dejar su firma en cada
estación en el periodo de tres años. Pero Keyselak llegó más allá estampando su
firma en lugares visibles como castillos, obeliscos, piedras, puentes e incluso
en los edificios recién abiertos al público. Esto le propició una gran fama en
el territorio de la corona austriaca. Llegó incluso, aprovechando su condición
de experto montañero, a estampar su firma en las cimas más altas donde
solo los más expertos escaladores podían llegar. Hay que decir que algunas de
sus firmas han conseguido sobrevivir a más de 180 años al paso del tiempo.
A finales de los sesenta en New York los adolescentes de la
ciudad empezaros a estampar su firma en las paredes de sus barrios, pero en vez
de usar sus nombres usaban pseudónimos, creándose así una identidad propia en
su barrio. El ejemplo más significativo y conocido es el antes nombrado es TAKI 183. Este pseudónimo viene del diminutivo de su nombre, Taki, y el número de la
calle donde vivía, 183. Eran un chico de 17 años de origen griego, trabajaba
como mensajero y viajaba constantemente en el metro de la ciudad donde
estampaba su firma (coloquialmente llamada tag) en todos los lados, dentro y
fuera del vagón. Tuvo muchas críticas por su comportamiento y por ensuciar la
ciudad, pero él respondía diciendo que él trabajaba, pagaba sus impuestos y que
no hacía daño a nadie, sólo era un motivo de diversión. Muchos jóvenes lo
idolatraban y empezaron a imitarle.
Esos fueron
los principios del fenómeno del graffiti, un fenómeno que se ha expandido hasta
hoy en día sin ningún tipo de intención de pararlo. Empezaron siendo simples
firmas con nombres, pero han evolucionado mucho, desde el graffiti más
abstracto, al más figurativo.
Estos se
suelen encontrar en vagones, debajo de puentes, edificios abandonados, paredes
de barrios humildes… Un sitio significativo donde podemos encontrar muchos y
variados es el Muro de Berlín. A lo largo del muro, se pueden ver cientos de
graffitis de artistas de todo el mundo, que trataron de informar y recoger
mediante sus obras el cambio que se produjo tras la caída del Muro de Berlín. Mediante
sus obras, quieren expresar la sensación de euforia y la esperanza de un futuro
nuevo, libre.
Hoy en día, hay un movimiento de moda ligado al fenómeno de
los graffitis, denominado Movimiento de Acción Poética. Comenzó en Monterrey,
México en 1996 de la mano del poeta mexicano Armando Alanis Pulido. Consiste
principalmente en crear murales literarios, pintar en las paredes fragmentos de
poesía. Este movimientos ha traspasado fronteras y se pueden leer murales por
todas partes del mundo. Los temas normalmente suelen ser de amor o frases
optimistas.
Aunque los temas principales son los nombrados, también hay
algunos murales que hacen alusión a la situación actual. No es el único
movimiento que incluye este tipo de temas en sus graffitis, ejemplo de ello es
Bansky, un artista callejero británico nacido en Liverpool en 1974. Las obras
de este artista son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y
etnias. Al contrario que el movimiento de Acción poética, Bansky en vez de
escribir lo que piensa decide ilustrarlo figurativamente.
Pixar nació en 1979 de la mano de George Lucas cuando vendió
una parte de LucasFlim. La producción de StarWars en la que estaban trabajando
estaba siendo muy costosa y, para reducir los gastos, George pensó en el uso de
ordenadores para poder abaratarlo. En 1985, Alvy Smith y Ed Catmull, encargados
de llevar esta producción, conocieron al que se convertiría en el actual
director de Pixar, John Lasseter. En 1991 firman su primer contrato con Disney
y, al ver su éxito en sus películas, continúa trabajando juntos. Pero en 2004,
Pixar y Dinsey rompen su relación, aunque por poco tiempo ya que, en 2006,
Disney adquirió Pixar convirtiéndose Steve Jobs en uno de los mayores
accionistas de Disney.
Luxo Jr. fue el primer corto que hizo Pixar y donde demostraron
la capacidad que tenía un ordenador para crear animación. El corto fue premiado con un Oscar, aunque
las ganancias no fueron suficientes para superar el bache económico que estaban
pasando.
Una película de Pixar consta de muchísimos ilustradores, así
como guionistas, directores, personas que ponen voz a los personajes…y todos
ellos se unen en el proceso creativo de las películas.
Al principio, un empleado de Pixar prepara una idea y la presenta al
equipo de desarrollo y animación, donde su mayor reto es lograr que el equipo
se interese y vea las posibilidades de llevar adelante el proyecto. Una vez
hecho esto preparan un story board (es como una versión de comic a mano en el
cual empieza a tomar forma gráfica el proyecto). Empiezan a decidir secuencias
y a grabar voces. El paso más importante está en el momento de pasar del dibujo
al ordenador las ideas. Para ello, los personajes, lugares y accesorios son
esculpidos a mano y luego escaneado a tres dimensiones o directamente diseñados
en 3D desde el ordenador. Hay que tener en cuenta que cada mínimo movimiento
son varios fotogramas, exactamente cada fotograma son 1/24 segundos de
película. Por ello, cada ilustrador ilustra 5 minutos de película.
Toy Story, creado en 1995, es el primer largometraje de Pixar y fue la
primera película de animación en realizarse entera por ordenador. Por esto,
tuvieron que añadir una nueva categoría en los Oscar a mejor película de
animación.
Aparte de ser un avance para el cine, también fue un avance
para la trama de las películas infantiles. En esta no aparecía la típica
familia feliz que se veía en todas las películas, ya que no aparecía la figura
paterna.
Los protagonistas de este largometraje son un muñeco de
trapo, Woody, y un muñeco de plástico, Buzz.
Esta película está dirigida a todos los públicos, ya que la
diferencia de estos muñecos y sus materiales hace que el público adulto se
identifique con el muñeco de trapo y los jóvenes con el de plástico, más acorde
a los muñecos de su época. También aparecen otros muchos que se reconocen fácilmente
como los soldaditos, Mr. Potato, etc.
En Toy Story también juegan con romper los estereotipos, un
claro ejemplo es el oso amoroso. Este es
un peluche que representa el amor y la amistad. Sin embargo en
la película representa todo lo contrario, es un personaje malo y egoísta.
Otra película en la que también vemos este cambio de papeles
es en Monstruos S.A. Este largometraje se estrenó en 2001 y fue dirigida por Peter
Docter, Lee Unkrich y David Silverman. En ella narra la vida de unos monstruos
que se dedican a asustar niños. Pero se crea una contradicción, ya que los
monstruos también tienen miedo de los niños, rompiendo así con los
estereotipos.
Buscando a Nemo es una película dirigida por Andrew Stanton
y Lee Unkrich estrenada en 2003 y ganadora de un premio Óscar. Este es otro
claro ejemplo de que Pixar quiere mostrarnos ejemplos de la vida real, puesto
que al principio de la película aparecen el padre y la madre con los huevos,
una familia feliz. Pero después de un accidente, sólo quedan dos protagonistas,
el padre y un hijo. Al igual que en Toy Story, intentaron enseñar al público
que el estereotipo de familia (padre, madre, hijo e hija) puede no ser así en
la vida real.
Otro aspecto de la película es que el protagonista se diferencia
de los típicos protagonistas de otras películas infantiles es su discapacidad
en una aleta. Aunque no es el único ya que su amigo calamar también tiene el
tentáculo mal. Pero una frase de la película nos enseña que eso no es un
problema, ya que “si no lo dices, ni se nota”.
Up se estrenó en 2009, dirigida por Pete Docter y ganadora de
dos premios Óscar. Es una película que narra la vida de un anciano vendedor de
globos que al final de su vida consigue viajar a América del sur (el sueño de
su difunta mujer) en una casa flotante suspendida con globos de helio. La
peculiaridad de esta película es su principio. Fallece el padre del ilustrador
encargado de hacer los primeros 5 minutos de la película. Es por eso que el
ilustrador decidió hacerle un homenaje a su padre, nacido en 1920, convirtiendo
esa primera parte en un claro ejemplo de cine mudo, aun siendo una película
contemporánea.
Aunque Pixar y Disney están unidas, no tienen los mismos
ideales como hemos mostrado. En Disney, las princesas necesitan a su príncipe para
que las despierte de un sueño, que les rescaten de alguna torre… Pixar quiso
romper con esa ideología machista y hacer una película en la cual la protagonista,
una mujer independiente, vive aventuras ella sola sin necesidad de un príncipe que
la rescate. Esa película se llama Brave, estrenada en 2012 y dirigida por Marks
Andrews y Brenda Chapman.
Aparte de intentar imitar aspectos de la vida real, se basan
en personas, lugares u objetos reales para crear sus películas.
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